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GAZTEARTEA GARAZIN

06 OCTUBRE DE 2018 > 01 NOVIEMBRE DE 2018

Exposición en la Prisión de los Obispos (41, rue de la Citadelle) en Donibane Garazi - San Juan de Pie de Puerto.

Esta exposición presenta las obras de siete finalistas en el concurso para el Premio Itzal Aktiboa - Creación Joven Arte Contemporáneo 2018, Taxio Ardanaz, Miriam Isasi, María Jiménez Moreno, Thomas Loyatho, Luis Olaso, Maite Pinto y Léa Vessot, así que de tres artistas invitadas a hacer residencias de artistas: Natacha Sansoz, Blanca Ortiga y Eluska Zabalo.

La exposición es el fruto de un proyecto de colaboración transfronteriza entre Itzal aktiboa y el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte (Navarra). Agradecemos el apoyo del Instituto Cultural Vasco, del Consejo del Departamento de los Pirineos Atlánticos, de la Comunidad de aglomeración del Pais Vasco, del municipio de San Juan de Pie de Puerto y de la empresa Nautilus Lanzarote.

Horarios

Todos los días excepto martes de 11:00 a 12:30 y de 14:30 a 18:30

Los artistas

Taxio Ardanaz

Taxio Ardanaz (Iruñea, 1978) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (EHU/UPV) y vive y trabaja en Bilbao. Aquí presenta una serie de 23 pinturas sobre papel, bajo el título "Metralla"

“Metralla"

Serie de 23 pinturas sobre papel

“¿Cuánto dura una imagen? En estos tiempos, NADA. Las imágenes se suceden, una tras otra; las devoramos y nos devoran infinita e indistintamente. Hay algunas que perduran, pero con cada exposición a la mirada parecen ir desgastándose, perdiendo su sentido.”

“El proyecto “Metralla” parte del abundante material gráfico producido por los movimientos sociales del País Vasco durante los años 70 y 80 para experimentar con determinados símbolos y “paisajes” que dieron forma a la lucha que se desarrollaba en las calles. Este material de archivo ha servido para analizar la construcción de la imagen “política”, y desde su fragmentación y reinterpretación a través del medio pictórico, buscar una estética de la resistencia común a diferentes épocas y momentos históricos, incluido el actual.”

“Esta propuesta se plantea como una selección de restos o fragmentos de lo irrepresentable, del anhelo de la totalidad que supone la fe en un cuerpo social capaz de significarse y transformarse, estética e ideológicamente.”

Miriam Isasi

Miriam Isasi (Vitoria-Gasteiz, 1983), es doctora en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (EHU/UPV) y la Universidad de México (UNAM), y vive en Bilbao. A partir de metralla de la Guerra Civil, encontrada en zonas de resistencia en Euskadi, ha creado suelas de claqué forjadas a fuego. En su video, los bailarines activan las suelas haciendo una revisión del himno revolucionario La Internacional.

"TAP (L’Internationale)"

Instalación con video

“Esta pieza es un homenaje a La pequeña ciclón, Dédée o Andrée de Jongh, fundadora de la Red Comète, que actuó con su equipo en la frontera del País Vasco entre 1941 y 1944, consiguiendo salvar la vida de centenares de combatientes aliados, ayudándoles a escapar clandestinamente a Inglaterra.”

“A partir de metralla de la Guerra Civil, encontrada en zonas de resistencia en Euskadi, se han creado suelas de claqué forjadas a fuego. Los bailarines activan las suelas haciendo una revisión del himno La Internacional. La música de este himno fue compuesta en 1888 por Pierre Degeyter, obrero, músico y compositor belga.”

“Me interesa el lugar donde confluye lo absurdo, lo irónico y lo ambiguo. La experiencia de lo cotidiano, el límite, el proceso como parte importante del todo y situar al espectador en un estado de situación.”

“Cada proyecto me lleva a diferentes estadios. Me hice apicultora en un campo de adormidera, he robado energía a varias instituciones para darle un uso funcional y activar diferentes dispositivos informales, busco metralla de la Guerra Civil y II Guerra Mundial para luego fundirla en una fragua. Cuestiono los sistemas de poder y me planteo la resistencia como concepto abierto, tan natural como tensar. La posibilidad del código, la ambigüedad entre política y vida es una constante, que para mí se impulsa desde el activismo.”

Maria Jimenez Moreno

María Jiménez Moreno (Pamplona, 1978), es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (EHU/UPV) y vive en Zizur Mayor (Navarra) y trabaja en la Cuenca de Pamplona. Su instalación "Época de cría", una telaraña gigante tejida a crochet con hilos blancos de diferentes grosores y texturas, resume simbólicamente su experiencia y aprendizaje como madre.

"Época de cría"

Instalación

“Utilizo el arte como medio para explorar y expresar mi vínculo con la Naturaleza a través de microcosmos íntimos. Llevo varios años trabajando la escultura tejida a crochet, combinándola en algunos trabajos, con otras disciplinas artísticas como el dibujo, la fotografía… “

“Época de cría se relaciona con otros dos proyectos que realicé cuando fui madre por primera vez. Alas (2013) es un trabajo donde represento la maternidad desde el punto de vista del período de gestación, de la espera. Y en Nidos (2013 – 2015) hablo, además, de los preparativos y acondicionamientos propios del momento (en mi terraza anidaron unos pájaros y pudimos ver todo el proceso desde la creación del nido hasta el vuelo de las crías).”

“Ser madre representa un cambio de vida, las prioridades como persona cambian y aparecen nuevas responsabilidades. Cada mujer siente la maternidad desde una perspectiva muy íntima. Época de cría aborda la maternidad y su complejidad desde un punto de vista más íntimo, propio, desde lo vivido. Empiezo a realizar este trabajo en mi segundo embarazo, se trata de otro nido pero en este caso, el de una araña. Un animal icónico (desde que Louise Bourgeois convirtió a su madre en araña) que pone de manifiesto la duplicidad de la naturaleza de la maternidad. Es una madre protectora y depredadora, tan oscura como brillante, y su telaraña es una trampa y un refugio al mismo tiempo.”

“Ya no presento el nido sólo como un lugar de protección para las crías, es además, el entorno donde acontece la vida. La telaraña es una red que atrapa pero a la vez tiene huecos para poder soltar el hilo. Es frágil y fuerte a la vez, es un objeto delicado, hermoso, y a la vez intimidante, desafiante. Es una metáfora de los sentimientos ambivalentes e intrínsecos a la maternidad, de esa vivencia que es única y personal.”

Thomas Loyatho

Thomas Loyatho (Bayona, 1984) tiene un Master en Artes Visuales y Espacio de la Real Academia de Bellas Artes de Lieja, Bélgica, y vive y trabaja en Hasparren. Su instalación "70cm / hora" presenta un hilo de hierba que se desarrolla en el espacio, acompañado por un video de sus manos trenzando.

“70 cm / hora”

Instalación con video

“Esta obra consiste en un hilo de gramínea llamada Deschampsia cespitosa, que trenzo a 70 cm / hora, de ahí el título de la instalación. La trenza corre en el espacio de exposición, ajustándose y, a veces, ligándose alrededor de lo que encuentra.”

“Está acompañada por un video de mis manos trenzando y de un texto grabado en una placa transparente. Para transmitir la dimensión olfativa y cruda del material, dispongo también una caja de madera llena de hierba y un montículo de la gramínea tal como lo encuentro en el monte, en los bosques o en las turberas.”

“Trenzar este material efímero que se regenera cíclicamente es un trabajo de meditación sobre el valor que se le da a una realización según del tiempo que se le dedica. La trenza pasa por encima de las páginas de un cuaderno. Página tras página, la escritura efímera de su sombra cuenta la historia de un viaje.”

“Esta gramínea se apoda la hierba de siesta. He querido presentarla como la encuentro en sus diferentes ambientes, cuando llama por su dulzura a marcar una pausa contemplativa en el paseo. Cada vez que abro esta caja para continuar mi trabajo me surge una fragancia de té y heno.”

Luis Olaso

Luis Olaso (Bilbao, 1986) vive en Getxo y tiene su estudio en Mungia (Bizkaia). Aquí presenta una pintura que pertenece a la línea de investigación pictórica de sus trabajos más recientes.

"Composición para tres girasoles y un cilindro" (2018)

Óleo y acrílico sobre lienzo

“ Considero mi obra un discurso continuo, por lo cual no se puede abstraer esta obra en concreto del contexto de mi trabajo anterior y actual. En esta serie abandono la representación de figura humana, para intentar otorgar carga psicológica y humana a elementos carentes de identidad personal. En ella, la figuración y la abstracción gestual conviven en una simbiosis mutua, en la cual la figuración va perdiendo peso con respecto a mi obra anterior.”

“Podríamos considerar que a nivel compositivo hay tres elementos principales que conviven en esta obra: el color, los elementos vegetales-orgánicos, y la geometría.”

“Los elementos vegetales se sitúan como eje central del discurso narrativo de esta serie, siendo representados más a modo de retrato (como elementos principales) que como elementos que formen parte de un entorno o paisaje. A nivel simbólico, los girasoles ejercen el papel metafórico de la representación de la vida, un elemento natural con atributos humanos.”

“Estos elementos orgánicos son contrapuestos con elementos carentes de vida, representados en este caso por la geometría (el cilindro).”

Blanca Ortiga

Blanca Ortiga (Hornos de Moncalvillo, La Rioja, 1984) está formada en Ciencias Políticas, Creación Escénica y Bellas Artes. Vive en Bilbao y se dedica a la investigación y a la creación contemporánea. Ha sido seleccionada para hacer una residencia de artista de siete semanas en el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte.

“Before Inhaling”

Instalación

“Interesada en tensionar prácticas artísticas para detonar lugares fronterizos, ubico mis acciones entre las escénicas y las escultóricas como lugar de encuentro y desplazamiento. Aquí presento una pieza fotográfica emblemática de mi proyecto Before Inhaling.”

“Before Inhaling es el instante antes de tomar aire, el intervalo donde la respiración se interrumpe, donde el movimiento se colapsa y el cuerpo aparece suspendido en ningún-lugar. Quizás como protección y acto de supervivencia, un lugar de contracción, donde saberse. Quizás para producir un lugar donde el deseo se organiza y asume la posición de estrategia bélica para lanzarse a la batalla.”

“Partiendo tanto de referentes artísticos como de acontecimientos y situaciones históricos, pongo en juego nociones – y la tensión entre éstas - como la de cuerpos y movimiento, deseo y violencias, para explorar una praxis que busca lugar, un lugar que busca (aún no sabemos qué)”.

Maite Pinto

Maite Pinto (Logroño, 1993) es laureada de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco (EHU/UPV) y tiene un Master de la Manchester School of Art, Gran Bretaña. Ha sido elegida por el jurado como ganadora del Premio Itzal aktiboa por su conjunto de cuatro aguatintas que cuentan la acogida en Inglaterra en 1937 de 4.000 niños vascos, refugiados de la Guerra Civil.

“Human chain”; “Temporary home: it is only for three months”; “Memorias”; “Utopia”

Aguatintas sobre papel

“En 1937 fueron alrededor de 4000 niños vascos los que montaron en Santurtzi en el buque Habana huyendo del panorama de guerra civil en el que se encontraban. Mi proyecto se centra en los niños que fueron acogidos en Inglaterra.

“Después de un intenso viaje en un barco equipado para acomodar solamente 800 pasajeros, y después de largas semanas viviendo en campamentos rápidamente instalados por voluntarios ingleses, los niños fueron atendidos por diferentes organizaciones e individuos del Reino Unido, algunos de ellos permaneciendo en tierras inglesas indefinidamente. Esta evacuación creó un fuerte vínculo en aquellos niños que perdura en nuestros días.”

“Basándome en material de archivo perteneciente a la “Association for the UK Basque Children” he creado una serie de grabados al aguatinta, donde la recreación de imágenes mediante las ausencias y presencias de tinta construye unas memorias que tienen que ver con nuestro contexto actual de crisis de refugiados.”

“Se pretende que las imágenes vayan más allá de la memoria gráfica y creen una experiencia, generen una reflexión donde la noción del tiempo y el lugar geográfico quedan en un segundo plano para centrarse en un hecho histórico que se repite sin cesar.”

Natacha Sansoz

Natacha Sansoz (Carcassonne, 1981) es diplomada de la Escuela de Bellas Artes de Burdeos. Artista multidisciplinar, trabaja en las áreas del arte textil, la apropiación, las performances y las instalaciones. Tiene su base profesional en Bayona. Ha sido seleccionada para hacer una residencia de artista de siete semanas en el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte.

“A Freaky Wedding In The Empty Shack”

Instalación con videos

“Artista de la relación, tejo enlaces invisibles entre personas, conocimientos, territorios, idiomas y disciplinas artísticas.Aquí, traslado a un contexto expositivo la experiencia transfronteriza que he vivido, en compañía de otro artista, en varios países desde 2017.”

"Establecí mi hogar en Bayona en el año 2015 y desde entonces no he dejado de viajar con mis maletas por las fronteras de Europa. La complejidad y la riqueza de vivir en un territorio transfronterizo me hizo desear dar un paso hacia otro lado. Así decidimos juntarnos, Henri Devier, llamado Wilden, y yo, bajo el apodo Natach'Apache, para emprender el camino sin echar la mirada atrás. Caminamos juntos desde principios de 2017 en "un intento de ocupación", que entendemos como una acción que no podemos abandonar.”

“La idea de mi instalación es poner a píe llano esta experimentación, que llamamos "A Freaky Wedding In The Empty Shack", alrededor de la alfombra de "la Hostitalidad". Esta alfombra, hecha a mano en el sur de Turquía, es a la vez un espacio de lectura, de descanso, de conversación, de proyección y de juego -- un espacio íntimo y al mismo tiempo de convivencia que permite descubrir fragmentos de historias vividas, de hombres y mujeres que han logrado pactarse, en otro lugar, para crear juntos este objeto relacional, esta alfombra fruto de una nueva economía, la del intercambio y de la tecnicidad.”

“Un conjunto de elementos, incluyendo libros, objetos artesanales tradicionales de varios países, una tela bordada que sirve de pantalla, trajes de boda y un servicio de café, está instalada sobre y alrededor de la alfombra. Presentamos cortometrajes que hicimos con el video-artista Frédéric Valet en varios países y ciudades (Mostar, Sarajevo, París, Berlín, Bayona, La Pierre St Martin, Oloron Ste Marie, Izmir, Hammamet, Redeyef, Hondarribia).”

“Los textos y las palabras que se oyen en los videos son en diversos idiomas. Los objetos y los registros fueron traídos de estos países con ocasión de nuestras residencias. En su totalidad, lo que queremos con este proyecto es suscitar preguntas sobre el lenguaje, las historias, las fronteras, la guerra y el anfitrión a través de la figura recurrente del "puente" y la metáfora del tejido.”

Léa Vessot

Léa Vessot (Mont de Marsan, 1993) es licenciada del Instituto Superior de Arte de Toulouse y vive entre Guéthary y Toulouse. Presenta dos grandes lienzos que pretenden estimular una reflexión sobre el cambio y la temporalidad.

"Sin título I & II (2018)"

Óleo sobre lienzo, 240x200cm

“A primera vista, estos lienzos aparecen como campos vacíos de color blanco. De ellos surgen puntuaciones pictóricas coloreadas, resultantes de las variaciones de los blancos. No se trata de distinguir entre lo que es fondo y lo que es forma. Hay dos partes producidas sucesivamente pero que se alimentan entre sí. Establecen una reciprocidad en que el fondo ya no es solo fondo sino parte de esta economía pictórica en movimiento. Podemos hablar de "espacios/fondos".

“Entre los elementos pictóricos resultantes de las variaciones de los blancos, algunos se destacan más francamente del espacio/fondo. Nace una pintura inestable, cambiante, casi imperceptible en algunos lugares, como si se tratara de formas que adivinamos a través de una cortina o de sombras en la superficie del lienzo.”

“Un elemento central de mi reflexión es la cuestión de la temporalidad y las pinceladas deben percibirse como espaciadas en el tiempo. Esta "laminación temporal" condiciona la percepción del espectador, ofreciéndole una experiencia del tiempo más lenta y más densa. El tiempo que necesitan para revelarse contrasta con la efervescencia que surge de la cantidad de imágenes a que somos sometidos en nuestra vida cotidiana.”

Eluska Zabalo

Eluska Zabalo (Donostia-San Sebastian, 1982) es licenciada en Bellas Artes y Sociología por la Universidad del País Vasco. Vive en Arrasate-Mondragon. Ha sido seleccionada por Nautilus Lanzarote, un complejo de apartamentos comprometido con la accesibilidad, el medioambiente y el arte, para hacer una residencia de artista de dos semanas en Lanzarote (Canarias) en el curso del año 2019.

“Paisaje errático”

Técnica mixta sobre tabla

“En los últimos dos decenios, mi lenguaje artístico ha ido forjándose al transitar por un expresionismo en los inicios de tipo constructivista que se ha deslizado progresivamente hacia la figuración abstracta. La deriva biomórfica – vegetal y mineral– de este lenguaje ha desembocado en el paisaje como soporte referencial y fuente de posibilidades formales.”

"Este devenir paisajístico no tiene tanto que ver con un interés en la propia representación de la naturaleza, sino en el recurso a la naturaleza como fuente de formas orgánicas; es decir, es más un motivo de tipo formal que temático. Por este motivo, suelo decir que pinto no-paisaje. Fundamentalmente, lo que me mueve en mis “Paisajes erráticos” es vivir ese proceso a través de la experiencia de la forma y del color.”


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