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GAZTEARTEA GARAZIN

03 OCTUBRE DE 2015 > 01 NOVIEMBRE DE 2015

Exposición en la Prisión de los Obispos y en el Ayuntamiento de Donibane Garazi - San Juan de Pie de Puerto.

La exposición en la Prisión de los Obispos presentará las obras de los cinco finalistas en el concurso para el Premio Itzal Aktiboa - Creación Joven Arte Contemporáneo 2015: Grégory Cuquel, (Anglet/Angelu, Lapurdi); María Jiménez Moreno, (Zizur Mayor, Navarra); Cécile Mestelan, (Bidarte, Lapurdi); Mickaël Vivier (Bayona, Lapurdi) y Eluska Zabalo Monje (Arrasate-Mondragón, Gipuzkoa).

Inauguración y entrega del Premio Itzal Aktiboa: el viernes 2 de octubre a las 18.30.

En el Ayuntamiento estarán expuestas las pinturas de Charles Jaulerry (Arcangues/Arrangoitze, Lapurdi).

GazteArtea Garazin, horarios

Prisión de los Obispos: todos los días exceptos los martes de 11:00 a 12:30 y de 14:30 a 18:30

Ayuntamiento: de lunes a viernes de 8:30 a 12:00 y de 14:00 a 17:30.


GazteArtea Garazin: l@s 6 artistas

Cécile Mestelan

Cécile Mestelan

Nacida en Baiona en 1988, Cécile Mestelan ha estudiado en la Ecole Supérieure d’Art des Rocailles, en Biarritz, y en la Escuela cantonal de arte de Lausanne. Vive entre Bidart y Lisboa, donde tiene su estudio.

Aqui presenta una instalacion titulada Fétiche, compuesta de pequeñas esculturas en cerámica puestas en peanas hechas de corcho. Son productos de serie, fabricados de forma estándar utilizando moldes creados por la artista. Combinando en sus formas lo orgánico con lo geométrico y lo grotesco con lo estilizado, se refieren a los múltiples "encantos" fetichistas que nos acompañan en nuestra vida cotidiana, pero también a las obras de artistas conocidos: la columna sin fin de Brancusi, por ejemplo, se encuentra al lado de Arp y Miró en una línea de objetos funcionales salidos de la Bauhaus.

En la era pos-Koonsiana actual del arte mundial, la de la gran vuelta a la reliquia anatómica monumentalizada, reprimida por un modernismo experimental ahora agotado, estos fetiches de cerámica, caracterizados por un primitivismo minimalista y desinhibida, indican tal vez otra forma de brujería de nuestra época.

Charles Jaulerry

Charles Jaulerry

Nacido en Baiona y residiendo en Arcangues, Charles Jaulerry estudió diseño gráfico en el Instituto Superior de Artes Aplicadas en París e hizo un Master en ilustración en la School of Visual Arts de Nueva York.

Trabajó durante cuatro años en la Marlborough Gallery de Nueva York en el departamento de archivos. Fue en esta ciudad donde empezó a pintar sus primeros lienzos. Cuando regresó a Arrangoitze-Arcangues, desarrolló su propia técnica de collage para realizar obras inspiradas en la contemplación de  la naturaleza y particularmente de los pájaros.

"Inspirado por la obra de Jackson Pollock y la serie Memory Ware Flat de Mike Kelley, quería volver a utilizar los elementos almacenados en mi taller para, pegándolos, crear una sensación de movimiento y flotamiento sobre el lienzo. Con estas pinturas, estoy interesado en combinar abstracción y  figuración."

"A primer vista, los collages se mezclan con el fondo. De cerca, el espectador descubre pájaros hechos a partir de fragmentos de pigmentos secos, papel, tela y pedazos de diferentes medios que he experimentado y conservado a lo largo de los años. Algunas pinturas requieren varios meses de trabajo."

Eluska Zabalo Monje

Eluska Zabalo Monje

Nacida en Donostia en 1982 y oriunda de Arrasate-Mondragón, Eluska Zabalo Monje realizó un bachillerato artístico en la Escuela de Artes de Pamplona para luego cursar las licenciaturas de Bellas Artes y Sociología en la Universidad del País Vasco. Vive y trabaja en Bilbao, combinando la pintura con la docencia con niños y adultos.

Aquí presenta una obra titulada Paisaje errático #1, donde doce fotograbados dispuestos sobre placas de aluminio representan los fragmentos ampliados de paisajes realizados en aguafuerte. El paisaje sirve como referencia en un proceso de extrañamiento de la forma y la línea a través de su deconstrucción y fragmentación. La finalidad de este proceso es alcanzar un nivel determinado de abstracción en el cual los valores referenciales estén en un equilibrio tenso con los valores formales.

El eje fundamental es la relación paradójica entre la forma y el paisaje, en el sentido de que la forma busca al paisaje como referente y fuente de posibilidades formales y plásticas, a la vez que deja de representarlo para ser por sí misma. Es decir, la línea, la forma, es paisaje pero también es auto-referencial.

Desde este punto de partida se busca un nivel de abstracción en el que lo referencial y los valores formales estén en un equilibrio tenso. Como operación para desvincular lo formal del referente se despliega una estrategia de extrañamiento de la forma y la línea a través de la deconstrucción, fragmentación, ampliación, síntesis, elipsis, superposición, etc. de éstas.

La lógica de fragmentación y ensamblaje tiene un lugar principal en los procesos creativos de este proyecto. Se trata de llevar a un límite la relación del todo con las partes a fin de fracturar el límite entre la dicotomía referencial/autorreferencial y así generar nuevos órdenes formales y simbólicos. Al re-ensamblar los fragmentos bajo un nuevo orden, vuelven a componer una unidad en su conjunto pero haciendo más patente su discontinuidad o fractura interna.

Gregory Cuquel

Gregory Cuquel

Grégory Cuquel da clases de escultura en la escuela de arte de Baiona, ciudad donde nació en 1980. Aquí presenta una serie de dibujos a lápiz sobre papel, titulada “jardín de quebramiento”, donde curvas, pliegues y grietas revelan vías y arquitecturas mentales inspiradas en la música. También expone algunas esculturas cuyas formas arqueadas hacen eco a sus dibujos.

“Escuchando música, a menudo la de William Basinski, extiendo las hojas en el taller y aplasto grafito para obtener un polvo a la que añado a veces grasa o disolvente. A partir de este estado de la materia, froto mi hoja de formar a poner en evidencia las curvas, los pliegues y las hendiduras.

“Doy una importancia especial al tiempo, que puede ocupar su lugar entre los gestos. A medida que prosigo con de la fricción, las evoluciones minuciosas enriquecen el diseño, con la apariencia o la experiencia de especies de carreras o arquitecturas mentales. El papel absorbe estos gestos, a veces quedando hueco, y allí permanecen trazos. El ojo puede entonces entrar en los materiales, dando importancia a los detalles.”


María Jiménez Moreno

María Jiménez Moreno

Nacida en Iruñea en 1978, María Jiménez Moreno cursó estudios de Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. Vive en Zizur Nagusia y da clases de pintura a varias asociaciones en Iruñea y sus alrededores. Lleva varios años trabajando en torno a la mímesis del paisaje desde la escultura tejida a crochet.

“Utilizo el arte como medio para explorar y expresar mi vínculo con la Naturaleza a través de microcosmos íntimos. Investigo un amplio campo de posibilidades tanto en materiales como en técnica, con un lenguaje plástico y conceptual ligado al Realismo mágico. Me interesa potenciar lo sensorial como parte de la percepción de la realidad, así como enlazar lo real y lo onírico cultivando un territorio lírico personal.

“Objetuario (Taxonomía ilustrada) es un proyecto gráfico que se fundamenta en el uso científico de la ilustración por esos científicos y descubridores, como medio para el estudio y catalogación de las especies. El proyecto nace de otro anterior, donde una serie de trabajos escultóricos, aislados en su mayoría por un bastidor de madera, se exponen como organismos disecados, desterrados de su hábitat.

“Aplicando el mismo método didáctico de los naturalistas, y manejando técnicas graficas tradicionales y directas como acuarelas, tintas, lápices o gouache, presento un documento gráfico analítico de aquellos trabajos escultóricos anteriores. El resultado obtenido muestra la idea de la Naturaleza como tejido universal primordial y en constante transformación. Se trata de un trabajo de ilustración íntima, de taxonomía de la experiencia del paisaje elaborado, de reconstruir un curioso hábitat en dibujos que se exponen sin ocultar su origen textil.”

Mickaël Vivier

Mickaël Vivier

Nacido en Baiona en 1983, Mickaël Vivier ha cursado estudios de arte numérico en Angulema y Poitiers y ha trabajado durante varios años en el Palais de Tokyo en París. En 2012, volvió a su ciudad natal, donde da clases en la escuela de arte. En esta exposición, presenta una instalación titulada “Historia natural” basada en un relato decimonónico sobre la muerte trágica de dos amantes, ahogados en una cueva al lado del mar.

Combinando video, obra gráfica y escultura, la instalación contrasta la leyenda con la realidad contemporánea. “Me interesa la relación que entretenemos con el paisaje. El País Vasco, territorio de mitos y leyendas, es un espacio propicio para la fantasía y la ficción. En mis trabajos, me deleito entrelazando y superponiendo las diferentes capas de la realidad.

“La pieza que presento, Historia Natural-Natura Istorioa, se refiere a una historia contada sobre la Chambre d'Amour en Angelu/Anglet. Dos amantes se dieron cita en una cueva cerca del océano. Sorprendidos por la marea creciente, quedaron atrapados allí y se ahogaron.

“Quien penetra hoy en esta cueva ve trazados en el suelo corazones y nombres. También ve tazas trituradas, latas de cerveza, colillas y condones. Es a partir de la superposición del mito romántico de la Chambre d'Amour con su realidad contemporánea que he desarrollado las diferentes elementos de la instalación.

"El conjunto tiende a cuestionar nuestra percepción de nuestro entorno y los diferentes modos de representación, antiguos o contemporáneos, que resultan de ella. A través del dibujo naturalista, represento la flora y la fauna que nos rodean; a través de imágenes en 3D, revelo áreas inaccesibles para los humanos; a través de los mitos, doy sentido a los eventos naturales de que soy testigo. Se trata cada vez de un lenguaje que nos permite reescribir el mundo. "


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